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AVIFF 2020

Sélection officielle

WHERE IS LOTTE?

PETRA ZOEPNEK

Je suis vidéaste, artiste et enseignant. Dans mon travail créatif, je m'appuie sur mon identité binationale colombo-américaine, mon identité queer, la frontière entre les États-Unis et le Mexique et mon expérience de l'Amérique du Nord d'Est en Ouest pour aborder les conditions existentielles et les contradictions culturelles vécues par les immigrants d'Amérique latine vivant aux États-Unis. Mes vidéos abordent les questions de migration, de mémoire et d'identité à travers des explorations lyriques du texte, du dialogue et des adaptations théâtrales.

WHEN LA RUMOROSA QUIETS

PATRICIA MONTAYA

La vidéo de Daniella Meroz confronte deux idéaux corporels opposés, incarnés dans deux spectacles esthétisés mis en scène en Allemagne : le Ballet triadique d’Oskar Schlemer (1922) et Olympia, le film de Leni Riefenstahl (1938), documentant les Jeux olympiques d’été de 1936 à Berlin. Ancienne actrice, Riefenstahl deviendra la cinéaste emblématique du Troisième Reich. Dans Olympia, elle met son talent cinématographique novateur au service de la valorisation des corps bien proportionnés des athlètes – un « nouveau corps » inspiré de l’idéologie nazie ; un corps destiné à contrer un corps tout aussi nouveau – quoique grotesquement exagéré – qui figure dans l’art moderniste du Bauhaus. Les corps de Schlemer sont des figures mécaniques, des spécimens adaptés à une société nouvelle. Installant sa vidéo dans un stade, Meroz place ses interprètes dans des extensions géométriques démesurées qui, au lieu de gêner le mouvement, rappellent le vocabulaire visuel de Schlemer, mais aussi les accessoires rebondissants utilisés dans la téléréalité. Exécutant des exercices synchronisés, des courses ou des combats, les interprètes sont filmés en contrebas, un angle qui, comme chez Riefenstahl, sublime le corps. Cependant, Meroz laisse la lumière directe du soleil mettre en valeur la moindre imperfection, plaçant la scène à la frontière du succès et de l'échec, du réel et de l'idéal. Texte : Sally Heftel

VICTORY OF THE RISING SUN

DANIELLA MEROZ

Rachel travaille depuis plus de 15 ans devant et derrière la caméra dans l'industrie du divertissement, en tant que réalisatrice, designer et actrice. Elle a collaboré à plus de 150 productions cinématographiques, théâtrales et télévisuelles.

Sélectionné parmi plus de 5 000 candidatures, son film « Wendy’s Shabbat » a été présenté en avant-première aux festivals internationaux de Tribeca et de Palm Springs en 2018, ainsi que dans plus de 50 autres festivals à travers le monde. « Wendy’s Shabbat » a été sélectionné pour les Oscars 2019 et diffusé sur PBS et en ligne sur TOPIC.

2 BLACK BOYS

RACHEL S MYERS

J'ai débuté à la radio en 1987 comme ingénieur chez KEST AM. J'ai ensuite rejoint KZSU Stanford en 1999. J'ai réalisé et produit 37 émissions de télévision au centre multimédia. J'ai remporté le prix de la meilleure émission de télévision aux WAVE Awards en 2013 pour Pajama Party.

AUDITIONS FOR MASTER CHAN

MICHAEL UHILA

Ran Slavin est une voix unique dans le cinéma indépendant israélien, porté par les auteurs-réalisateurs. Cinéaste, vidéaste international et producteur de musique électronique expérimentale, son approche non conventionnelle du cinéma découle d'un langage visuel unique et captivant, mettant souvent en lumière des situations limites préfigurant le futur, la réalité magique et la virtualité en milieu urbain. Ses films, œuvres sonores et installations vidéo utilisent souvent des atmosphères superposées avec des processus de post-production détaillés. Parmi les projections sélectionnées figurent le Festival du Film des Nuits Noires de Tallinn, le Festival du Film Energa-Camerimage de Pologne, le Festival International du Film de Haïfa, le Festival International du Film de Shanghai, le Festival International du Film Ficci de Carthagène en Colombie, le Festival du Film de Pesaro en Italie, le Festival du Film de Turin en Italie, le Festival du Film Hors Piste au Centre Pompidou à Paris, le Festival du Film de Winterthur en Suisse, le Festival du Film Utopia en Israël et bien d'autres.

CALL FOR DREAM

RAN SALVIN

La force de la nature est au cœur de la pratique primée de Gjert Rognli. Références au quotidien et au surréalisme se rencontrent. Il s'exprime à travers le cinéma, la performance, la photographie et la sculpture. Ses origines autochtones, issues du peuple Sami de Norvège, ont fortement influencé son art et son interprétation de la réalité. Rognli a reçu de nombreux prix internationaux pour son travail photographique et cinématographique, et a exposé à de nombreuses reprises en Norvège et à l'étranger, notamment au musée du Louvre à Paris. Il a travaillé pour plusieurs des plus importantes institutions culturelles norvégiennes, telles que la Radiodiffusion norvégienne (NRK) et le Théâtre national. Il a également été assistant scénographe aux Jeux olympiques de Lillehammer, en Norvège.

EALLIN LEA GUOVTTESUORAT NIEHKU
(LIFE IS A TWO-WAY DREAM)

GJERT ROGNLI

Je suis un Brésilien de 40 ans vivant à Londres où je travaille comme artiste et cinéaste. Titulaire d'un master du Royal College of Art, je travaille principalement dans le domaine de l'image en mouvement, notamment dans le cinéma expérimental. Je m'intéresse particulièrement aux manières non conventionnelles de raconter des histoires en utilisant l'improvisation pour créer des films de type documentaire.

Déclaration du réalisateur

J'aime concevoir mon travail comme une trajectoire fragmentée, désordonnée, donnant forme à une longue séquence imprimée, comme dans un film ; ou comme dans la vie. Artiste visuel travaillant avec le cinéma, l'idée d'empreinte, de laisser une trace, est présente dans tout mon travail. Film, photographie et performance sont des outils fréquemment utilisés.

Mes projets s'inscrivent dans la durée, ce qui leur donne le temps et l'espace nécessaires pour se développer et gagner en densité. Dans ce tourbillon de supports, de lieux et de personnes différents, je dérive intentionnellement vers la précarité, me fiant à mon intuition. Que je réalise, réalise, monte ou imprime, je reste fluide et agis à l'instinct. Je m'efforce de calculer l'imprévisible.

C'est dans des lieux comme ceux-ci – lorsque je me sens déplacé et sur le point de perdre le contrôle – que mon travail se définit. C'est seulement alors que je comprends pourquoi il est important pour moi d'habiter cet espace précaire : au bord de l'échec, lorsque mon travail me dépasse et se libère de ma tyrannie, fortuite, comme les conséquences imprévisibles de mon existence. Ces moments, qui se présentent comme une vérité, dont je pourrais peut-être tomber amoureux. Quelque chose constitué d'une part infime de moi-même et principalement constitué de tout ce qui nous entoure.

NAO É NORMAL

JOAO VILLAS

Né et élevé au Japon, il a étudié l'illustration à la Parsons School of Design de New York. Spécialisé en animation expérimentale et en mapping vidéo, il a présenté ses films au Festival de Sundance, au Festival Onedotzero et au Festival international du film d'Édimbourg, entre autres. Ses installations de projection ont été exposées dans le monde entier, notamment au New Museum of Contemporary Art de New York, au Winzavod (Centre d'art contemporain de Moscou), au MARCO de Monterrey (Mexique) et à la Maison de la culture du Japon à Paris.

OKAMI

MOTOMICHI NAKAMURA

SURFACING

STANISLAV VALADE

Dina Yanni est une vidéaste et chercheuse basée à Vienne. Elle utilise des images trouvées issues des vastes archives de la culture populaire pour révéler et commenter les sous-entendus cachés de ces images par le biais du montage, de l'édition et du glitching. Son travail a été présenté dans des festivals internationaux de cinéma expérimental et underground.

THE DARK, DEBRA

DINA YANNI

Né à Nazareth en 1984, artiste visuel palestinien, il travaille avec différents médias tels que la photographie, la vidéo, l'installation et le texte. Il a obtenu une licence en photographie (BFA) en 2019 à l'Académie d'art et de design Bezalel de Jérusalem.
Dans ses œuvres, il aborde les notions de représentation, d'absence et de perte. Son travail s'inspire souvent d'une analyse de ses récits personnels au sein de l'histoire et de la mémoire collectives. Il utilise l'art pour remettre en question les perceptions et explorer le médium lui-même, jouant souvent entre réalité et fiction. Son projet actuel est une analyse de la perception des événements historiques dans l'industrie cinématographique populaire, ainsi que de l'impact du cinéma populaire sur la construction d'une mémoire collective dans le monde arabe. Essa vit et travaille à Jérusalem.

THE RETURN OF OSIRIS

ESSA GRAYEB

Né en Pologne, Viktor Witkowski est un artiste visuel et cinéaste qui vit et travaille dans le Vermont (États-Unis) et à Leipzig (Allemagne). Il a obtenu un master en éducation artistique, histoire de l'art et arts plastiques à la Hochschule für Bildende Künste de Braunschweig (HBK Braunschweig, Allemagne) en 2006 et un master en arts visuels à l'université Rutgers en 2010.

THE TWINS (RISE&FALL)

VIKTOR WITKOWSKI

Bo Nawacharee, née et élevée à Bangkok, en Thaïlande, est une scénariste et réalisatrice basée principalement à Los Angeles. Ses œuvres sont narratives, ancrées dans la nature humaine et teintées d'une dimension surnaturelle. Elle nie souvent éprouver des sentiments envers les autres, mais la plupart de ses œuvres explorent les liens et les relations humaines, entre elles et avec le monde. Forte de sa formation en études culturelles et en analyse critique, elle s'implique également dans des productions artistiques et événementielles multidisciplinaires. Ayant grandi dans différentes villes du monde, Bo ne se limite pas à Los Angeles et est toujours prête à partir.

THREE

BO NAWACHAREE

Français L'œuvre photographique de Bianchi a été exposée au Tokyo Metropolitan Museum of Photography au Japon ; au Musée de l'Élysée à Lausanne en Suisse ; au Musée des beaux-arts de l'Ontario à Toronto, entre autres. Servitude I de la série Heavy In White a été ajoutée à la collection du Walker Art Center en 2019. L'œuvre est également reproduite dans le catalogue de Walker The Expressionist Figure aux côtés d'artistes tels qu'Edgar Degas, Willem de Kooning, David Hockney, Pablo Picasso, etc. L'art de Bianchi a été présenté dans plus de quarante publications, dont le Huffington Post et l'Encyclopedia of Food and Culture, Vogue Italia et Zoom en Italie, Phot'Art International en France et GEO en Allemagne. Les œuvres de Lynn se trouvent dans de nombreuses collections privées à travers le monde, notamment celles de Manfred Heiting et d'Edward Norton, ainsi que dans des collections de musées, notamment le Museum of Fine Arts de Houston, au Texas ; Musée de Brooklyn à New York et Bibliothèque nationale de France à Paris, Musée Ken Damy à Brescia (Italie), Musée 21c à Louisville (Kentucky). Elle a récemment exposé à New York à l'Untitled Space, à l'Armory Show de la Salomon Arts Gallery, au One Art Space et à la Shchukin Gallery. En 2011, Lynn a commencé à travailler dans le domaine de la vidéo et a produit à ce jour une trentaine d'œuvres multimédias. Ses projets les plus récents ont été présentés dans divers festivals à travers le monde, notamment le Tulum World Environment Film Festival, la Dallas Medianale, MicroActs à Londres, le New Earth International Film Festival en Pologne et les célèbres New York Cinematography AWARDS (NYCA). Certaines de ses œuvres ont été présentées au musée CICA en Corée du Sud et incluses dans le Symposium international des arts électroniques en Colombie (ISEA-2017), le Festival international des langues électroniques au Brésil (FILE-2017) et le Piemonte Share Festival, la foire italienne d'art électronique, d'art numérique et des nouveaux médias, entre autres.

TIME PAST

LYNN BIANCHI

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