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AVIFF 2022

Sélection officielle

Hidiro a toujours eu une approche cinématographique de la photographie de mode, en quête de narration et de sens. À partir de 2008, il s'intéresse au cinéma. Il collabore, coproduit et participe à la mise en scène et à la musique de plusieurs longs métrages.

Tselkov Faces

Nicolas Hidiro

The underground sistine chapel

PASCAL BOYART

Fabrice Castanier est né à Paris en 1969.
Diplômé en Sciences Politiques et titulaire d'une maîtrise en Cinéma, il débute sa carrière de réalisateur avec deux courts métrages de fiction (Mort Dorée et Omaha Beach), puis s'oriente vers le documentaire politique et social avec « May Be Peace », sur l'Irlande du Nord après la guerre civile, plusieurs documentaires sur le sida dans les pays en développement pour Médecins Sans Frontières (MSF), et un documentaire intimiste de trois heures sur l'Amérique latine (Latinoamericana 2002, journaux parallèles).
Il réalise également des documentaires musicaux, des concerts et des opéras pour la télévision publique française, le câble et le cinéma.

The loniless of the double bass player when he writes a poem

Fabrice Castanier

Elly Cho a exposé ses œuvres dans le monde entier et a reçu de nombreux prix. Son art explore le lien entre nature, environnement et comportement humain, à travers divers médiums, dont les techniques mixtes, la vidéo et la performance.
Son approche artistique s'inspire largement de la relation entre nature, environnement et la perception qu'en a le spectateur à travers son histoire personnelle.
Elle aborde le thème des paysages culturels sous forme narrative, souvent en lien avec ses propres expériences et souvenirs. Dans ses vidéos, elle utilise des paysages familiers qui stimulent l'imagination du spectateur.
Ses récentes recherches sur la couleur, la nature et la santé mentale ont donné naissance à un nouveau corpus d'œuvres explorant la relation entre écologie et existence humaine. En s'appuyant sur les couleurs et le mouvement de la nature, l'esthétique de l'être et la poésie de la nature, elle tente d'imiter le mouvement des espèces, puis d'élargir le dessin à une scène poétique plus imaginaire. Elle considère que la nature est un lieu où chacun se sent intégré et que, même si nous sommes tous séparés les uns des autres, être en nature nous rassemble et nous connecte. À travers son travail, elle cherche à insuffler au spectateur une conscience intense et nostalgique du passé. Elle poursuit ses expérimentations, encourageant un engagement politique qui permet à l'œuvre d'art et à l'environnement de contribuer conjointement au discours artistique actuel.

Cho a reçu plusieurs prix, dont le Sunny Art Prize à Londres, « Times Square Midnight Moment » à New York, le prix d'excellence en poésie décerné par l'organisation littéraire coréenne Samteo, le prix Myers Community Art Project de l'Université Columbia à New York, ainsi qu'une résidence d'artistes au sein du programme 3-D Sculpture Park en Suisse et de la Fondation AHL à New York.

Ses œuvres sont exposées dans des collections prestigieuses telles que celles du Musée municipal de Séoul et du Musée cantonal des Beaux-Arts du Valais en Suisse, et dans des expositions telles que « Nature’s Tempo » aux services culturels coréens de New York et « Going Green » en collaboration avec le Queens Art Express à New York. Passionnée par la performance, elle a notamment participé à « Sounds of Fragment: Ecological Dreams » au Nam June Park Art Center et au Seoul Innovation Park.

Cho est titulaire d'une licence et d'un master en beaux-arts de la Slade School of Fine Art de Londres, ainsi que d'un master en éducation artistique de l'Université Columbia. Après avoir obtenu son master, elle a enseigné les arts visuels et la théorie dans des universités coréennes.

The Eclipse: Recognized by the Sound

Elly Cho

YU FU, cinéaste et artiste, vit et travaille à Paris. J'ai appris le cinéma avec mon professeur Jean-Charles Hue, à l'École des Beaux-Arts du Mans. Certaines de mes vidéos et courts métrages ont été sélectionnés par des expositions et des festivals de cinéma, tels que le Salon d'Automne et le festival « Les Yeux Grands Ouverts ». Fruit de mon expérience personnelle, mon travail se concentre principalement sur les personnes défavorisées. Je crois que le cinéma doit parler pour elles.

The Black Balloon

Yu Fu

L'artiste visuelle primée Laura Jean Healey réalise des installations cinématographiques numériques qui explorent l'expérience cinématographique et le rôle du regard des caméras. Titulaire d'une licence avec mention très bien de Central Saint Martins, où elle s'est spécialisée en installation de films 16 mm et a été encadrée par le directeur de la photographie Seamus McGarvey, titulaire d'une licence en cinéma, Healey nourrit sa pratique créative de son expérience au sein de l'industrie cinématographique.
Inspirée par sa vaste expérience et sa maîtrise technique, son travail explore l'objectification de la femme, le regard voyeuriste inhérent aux caméras et le désir qu'il suscite chez le spectateur captivé. Plus particulièrement, Healey allie l'utilisation des technologies cinématographiques numériques – notamment le tournage numérique à haute vitesse et la projection holographique – à l'esthétique romancée du mouvement préraphaélite pour créer de grandes installations cinématographiques qui cherchent à la fois à captiver et à séduire son public. En jouant avec le langage visuel du cinéma traditionnel et en l'incarnant, Healey cherche non seulement à remettre en question le regard masculin, mais surtout à mettre en lumière et à questionner la manière dont les femmes ont été et continuent d'être objectifiées dans l'art. À cette fin, Healey a produit la toute première installation cinématographique holographique entièrement filmée sous l'eau au ralenti. La Sirène explorait les clichés sexuels liés à la perception de la femme fatale ultime et cherchait enfin à donner une voix puissante à son sujet. L'installation a été présentée en avant-première à la Kinetica Art Fair (2012) et a reçu le Passion For Freedom Gold Film Award (2013) pour sa « valeur artistique et son puissant message visuel incarnant la liberté des femmes », ainsi que le MAMA’s Award (2012) pour son « concept artistique innovant ». Elle a également été présentée dans le cadre du programme artistique de l'Aesthetic Short Film Festival (2012) et du Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris (2012).

Récemment, Healey a collaboré avec Sedition, une plateforme de galerie numérique en ligne, pour produire l'installation cinématographique multicanal « The (Un)Holy Trinity ». La série de trois films s'est inspirée des apocryphes bibliques pour explorer la notion de « femme déchue » et a remporté le premier prix du YICCA International Art Prize 2020/21.
Healey est membre d'Art in FLUX, une organisation caritative qui œuvre pour le développement de la communauté des arts médiatiques au Royaume-Uni. Son travail a été présenté sur elephant.art, Photomonitor Magazine et wired.co.uk.

The (Un)Holy Trinity

Laura Jean-Haley

Tata reading from Bernard’s frost

Dannik Janik

June est une artiste visuelle hongkongaise. Elle explore la vie urbaine et le quotidien à travers l'image animée et le dessin. Elle a obtenu une licence en beaux-arts (spécialisation peinture) à la Hong Kong Art School et à l'Université RMIT en 2018, puis un diplôme supérieur en beaux-arts à la Hong Kong Art School en 2014. Elle a également obtenu une licence en soins infirmiers à l'Université polytechnique de Hong Kong en 2010.

See the sea with me

June Siu Ling Wong

Vinny Sacchetti, qui travaille et se produit sous le pseudonyme « Bozozo », est un artiste multimédia originaire du Maryland qui mêle musique, cinéma, animation et performance pour créer des œuvres aux allures de collage, exprimant les émotions abstraites et complexes de la vie. Avec un style libre et coloré, mais teinté de spiritualité et d'existentialisme, son style, transversal aux genres, privilégie une expérience immersive et émotionnelle pour le spectateur.

SUNNY FOREVER: A Tale of Unknowing

Vinny Sacchetti

Marc Comes (*1965) est un réalisateur et photographe allemand.
Formé à la photographie et baigné dans le milieu artistique de Cologne dans les années 90, Marc a développé son intérêt pour le cinéma grâce à des collaborations avec des artistes (Rosemarie Trockel, Carsten Höller, Marcel Odenbach) et en explorant le domaine de la publicité et du long métrage (Jan Schomburg, Sandra Hüller, Maria Schrader).
Dans ses courts métrages artistiques et primés (Maria, Jivan, Rosemarie), Marc a développé son langage cinématographique basé sur la photographie, qui compose les intensités avec un regard plus essayiste et subvertit les attentes narratives courantes sans renoncer au suspense.
« Un film est un album photo accéléré, même l'image figée respire 24 fois par seconde, soit 24 souvenirs individuels en un seul mouvement, passé et présent au même instant. Combien de temps cet instant durera-t-il ? » Pour moi, c'est la différence la plus importante et l'auto-libération d'une œuvre photographique imprimée - encadrer, mais pas fixer».

Respola

Marc Comes

Après avoir explosé sur la scène théâtrale torontoise grâce à son prix Dora pour la comédie musicale « Ghost Quartet » et son ascension fulgurante au poste de directrice artistique associée du Crow’s Theatre, Marie Farsi s’est forgée une solide réputation d’étoile montante. Marie a saisi les nouvelles opportunités offertes par le cinéma, avec son court métrage d’animation « Prométhée » et la version concert filmée de « Ghost Quartet ». Ces deux films ont marqué ses débuts réussis dans la réalisation ; elle travaille actuellement sur un long métrage : l’adaptation cinématographique de la pièce à succès « Les Huns ».

Prometheus

Marie Farsi

Emma Ramsay-Tanniou est une artiste franco-écossaise basée à Dundee qui travaille avec des images en mouvement et des impressions et qui est fascinée par le langage, le lieu et les manifestations de l'existence humaine passée.

PENN-AR-BED

Emma Ramsay-Tanniou

Martin Gerigk (*1972) est un compositeur de musique contemporaine. Son répertoire comprend des compositions pour orchestre et musique de chambre, ainsi que plusieurs concertos pour soliste. Outre ses travaux de composition, il est reconnu pour son remarquable travail audiovisuel. En 2007, il a été engagé comme compositeur en résidence par l'Orchestre de Hagen. L'œuvre de commande « Backlights » a été diffusée sur la radio WDR. Ses compositions sont jouées en Allemagne et à l'étranger, notamment en Corée, au Japon, aux États-Unis, en Angleterre, en Finlande, en Autriche et en Suisse.
Outre son travail de compositeur, Martin Gerigk est également sollicité comme arrangeur de musique orchestrale et de chambre de différentes époques. Dans ce cadre, il collabore avec des solistes et ensembles internationaux de renom, tels que Vilde Frang, le Quatuor Fauré ou le Quatuor Mandelring. Ses films ont remporté plusieurs prix internationaux et ont été projetés dans des festivals renommés comme Asolo Film Festival, International Digital Arts Festival Videoformes, Girona Film Festival, Salento International Film Festival, USA Film Festival, New Jersey Film Festival, Sidney International Film Festival, Fargo Film Festival, Sherman Oaks Film Festival, Canberra Short Film Festival, Film and Video Poetry Symposium Los Angeles, Syracuse Film Festival ou ZEBRA Poetry Film Festival.

Otonashi

Martin Gerigk

Nude Me/Under the Skin: A Resurrection of

Freddie Leyden

Photographe, Directeur de la photographie, Réalisateur
Ohkawara a voyagé sac au dos à travers le monde et s'est lancé dans la photographie. De retour au Japon, il a obtenu un diplôme du Sapporo Visual Arts College. Il a travaillé à Sapporo pendant environ cinq ans dans la photographie publicitaire et la production vidéo.
En 2017, il a intégré un studio photo à New York pour se spécialiser dans la photographie de natures mortes.
Actuellement, il travaille également comme photographe et vidéaste.
Il capture également des expressions abstraites en photographie et en courts métrages.
https://www.ryoohkawara.com
IWATA Wataru
Directeur artistique, Compositeur
IWATA a suivi une formation de piano classique dès l'âge de cinq ans. Il a commencé à produire des chansons pour des publicités télévisées dès l'âge de six ans. Il a commencé à composer sur magnétophone multipiste à neuf ans. Il a également appris la théorie du jazz à quinze ans. Il a passé sa jeunesse à Boston et à New York et a été passionné par le free jazz. Il a étudié la peinture et la production artistique auprès du peintre japonais Atsushi Sugimura alors qu'il travaillait comme assistant à New York. De retour au Japon, il a organisé des expositions de peinture et des installations, composé de la musique, joué en trios et quatuors avec piano et donné des conférences dans des écoles techniques. Il développe actuellement un large éventail de créations et d'activités dans les domaines de la musique contemporaine, de la musique électronique et des nouveaux médias. En tant que réalisateur, il s'est également activement impliqué dans des activités transdisciplinaires, telles que la direction de concerts de musique classique, la planification et l'organisation d'un symposium scientifique international et le commissariat d'expositions.
Plus d'informations : http://www.objet-a.org/wataru_portfolio/
Contact : wtr@objet-a.art

Miroir

Ryo Ohkawara

Emmanuel Gras s'est tourné vers le cinéma après des études d'histoire. Il a intégré l'ENS Louis-Lumière et a travaillé comme directeur de la photographie tout en réalisant ses propres films.
Son premier long-métrage documentaire, Bovines, a été salué par le public après sa présentation au Festival de Cannes et a été nommé au César du meilleur documentaire.
Emmanuel Gras a ensuite co-réalisé avec Aline Dalbis 300 Hommes.
Tourné en RDC, son film Makala a remporté le Grand Prix de la Semaine de la Critique à Cannes.
Son dernier long-métrage, Un Peuple, raconte l'histoire du mouvement des Gilets jaunes, qui a secoué la France pendant une année entière.

AMO

Emmanuel Gras

An ambush in suspense

Simon Quéheillard

CLIMBING EROS

Charles M Pepiton

LIAO Chi Yu est spécialisée dans la vidéo et les installations vidéo. Elle maîtrise particulièrement le jeu de rôle et la narration ouverte pour explorer les émotions subtiles et complexes de la vie, liées aux expériences corporelles, à la mémoire et à l'amour, ou encore aux moments de connexion. LAIO a été invitée à participer à des expositions internationales telles que la Videonale et la Biennale de Kaunas. Parmi ses récentes expositions personnelles, citons « Way Out Beyond » au Musée des Beaux-Arts de Taipei, « River still, River goes » au VT ARTSALON de Taipei et « Sanssouci Park » à l'espace a.m. de Hong Kong.

DOG

Liao Chi Yu

Selma Köran (*1989) est une artiste basée à Berlin.
Ses œuvres explorent le monde mythologique de la narration et examinent l'état de l'humanité selon lui.
Se mettant dans la peau d'une archéologue amateur, elle dissèque le corpus narratif occidental pour pasticher et tourner en dérision l'anticipation traditionnelle des rôles archétypologiques au sein de notre société.
En déconstruisant et en remettant en scène ces récits comme du chaos, notre perspective sur le normatif et la hiérarchie est remise en question.
Ses films expérimentaux mêlent images en mouvement, sculptures artisanales et animées, placées dans un théâtre de costumes surréaliste aux couleurs éclatantes.

Exit Athena

Selma Köran

Fibonacci

MARIE MEYER / PATRIC KUO

L'œuvre d'Efi évoque le mouvement progressiste qui s'opère depuis la singularité du récit personnel jusqu'à l'universalité de la mémoire collective. Utilisant la sculpture, le dessin, la vidéo et la photo-performance, sa pratique artistique aborde un commentaire sociopolitique à la fois sensible et caustique. Les notions de présence et d'absence, de visibilité et d'invisibilité, de mobilité et de stagnation sont réunies dans une recherche artistique unique qui réinterroge la frontière entre sphère privée et sphère publique, la représentation culturelle et les angoisses contemporaines de notre société. Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions en Europe, notamment son exposition personnelle « BLACK GOLD FLAKES » à la galerie Leventis de Nicosie, à l'occasion de la Journée internationale de la lumière, sa dernière exposition personnelle en plein air « MY FINEST FABULOUS AND AMAZING MATH BOOK » au centre d'Athènes et sa performance urbaine secrète « ART SCENE CRIME SOON », dans différentes villes de Grèce et de Chypre. Efi a reçu le prix de la nouvelle artiste pour le 175e anniversaire de la Banque nationale de Grèce en 2017.
Elle possède une longue expérience dans l'industrie de la mode et les médias. Elle a été ambassadrice de bonne volonté de campagnes d'intérêt public en Europe et aux États-Unis, notamment la récente campagne pour la Charte européenne des droits fondamentaux.
Parmi ses collaborations, on compte le magazine POP (Londres) et le designer Antonio Marras (Kenzo), pour un récit sculptural basé sur son projet « Swings », le magazine NOMAS (Numéro Paris) pour un article consacré à Arthur Rimbaud et le magazine Wallpaper* (Londres).
Elle est à l'origine de RUNONART, une initiative artistique à but non lucratif basée à Athènes, en Grèce, qui promeut les communautés artistiques locales par le biais de supports innovants.

Identity in between

Efi Spyrou

Till Gombert est né en 1991 à Fribourg (Allemagne) dans une famille de photographes. Il a étudié de 2014 à 2020 à la Staatliche Hochschule für Gestaltung de Karlsruhe, avec une spécialisation en arts médiatiques et cinéma, et poursuit ses études au sein du programme de troisième cycle de la Kunsthochschule für Medien de Cologne. Il réalise des films narratifs, à l'approche minimaliste qui privilégie l'observation, ainsi que des films expérimentaux, souvent tournés en Super8. Son travail a été sélectionné dans de nombreux festivals, notamment le Festival international du court-métrage de Pékin, le Festival du film européen de Szczecin et l'Interface Video Art Festival.

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Till Gombert

Valto Baltzar est un réalisateur et scénariste basé à Helsinki, en Finlande. Le Café de mes Souvenirs est une comédie musicale internationale franco-finlandaise écrite et mise en scène par Baltzar. Les chansons composées pour le film sont au cœur de l'intrigue. Baltzar a écrit les paroles des chansons, initialement sous forme de poèmes, et le compositeur de jazz Heikki Sarmanto les a composées. Baltzar a débuté sa collaboration artistique avec le compositeur Sarmanto alors qu'il était metteur en scène de théâtre.
Valto Baltzar a débuté sa carrière au cinéma et au théâtre comme acteur et a étudié à l'École de théâtre finlandaise d'Helsinki. Baltzar a écrit et mis en scène des pièces de théâtre comme « In your eyes », « Feared victim », « Did I fell in love ?» et « Fourth kingdom ».
Compositeur
Heikki Sarmanto est un pianiste et compositeur de jazz finlandais. Il a d'abord étudié à l'Académie Sibelius d'Helsinki, puis au Berklee College of Music de Boston. Sarmanto a reçu la médaille Pro Finlandia de l'Ordre du Lion de Finlande.
Sarmanto a publié plus de 40 enregistrements, de nombreuses partitions et recueils de chansons, et compte à son actif plusieurs musiques de film. Il a collaboré avec des musiciens de jazz tels que Sonny Rollins, Art Farmer, Helen Merrill, George Russell et Jeannine Otis, en plus de son travail dans la scène classique. En septembre 1998, Sarmanto a été nommé directeur artistique de l'UMO Jazz Orchestra. Heikki Sarmanto a composé les chansons de « Le Café de mes Souvenirs » à partir de poèmes et d'un texte du réalisateur Baltzar.
L'Orchestre philharmonique de Prague
L'un des orchestres symphoniques les plus respectés et enregistrés au monde, interprète la musique du film. (en tchèque : Filharmonici města Prahy) est un orchestre classique, principalement composé de musiciens tchèques classiques, de jazz et d'invités. L'orchestre joue et enregistre de la musique pour tous types de projets orchestraux, notamment des albums CD, des films internationaux majeurs, des séries télévisées et des jeux vidéo. Les œuvres précédentes de l'Orchestre philharmonique de la ville de Prague comprennent des longs métrages de renommée mondiale tels que James Bond, Harry Potter et Le Labyrinthe de Pan.

Le café de mes souvenirs

Valto Baltazar

Zeynep est une artiste et commissaire d'exposition originaire d'Istanbul, en Turquie. Elle a étudié le cinéma et les médias interactifs à l'Emerson College, puis a débuté sa carrière au laboratoire Art+Tech du LACMA. Elle a ensuite travaillé aux expositions New Frontier du Festival du film de Sundance et est récemment diplômée du master Design Media Arts de l'UCLA. Elle travaille principalement avec des archives photographiques, des vidéos et des médias immersifs. Ses sujets tournent autour de l'identité, de l'histoire et de la perte de mémoire. Profondément influencée par la culture d'Istanbul, elle explore les identités changeantes pour faire face aux difficultés et à l'aliénation engendrées par les changements sociaux.

Memory Place

Zeynep Abes

Après des études d'ingénieur à l'ENSTA (Institut Polytechnique) de Paris, puis de philosophie à la Sorbonne Paris IV, Pierre Bessette, né en 1976, est actuellement professeur associé de philosophie au lycée français d'Antananarivo, à Madagascar.
Parallèlement, il poursuit une carrière de metteur en scène depuis plusieurs années.
Passionné de théâtre, il crée en 2008 la pièce « C’est de l’eau », jouée à l’Étoile du Nord à Paris, en juin 2009, dans le cadre d’un projet de fin d’études à l’Atelier Théâtral de Création (aujourd’hui École Auvray-Nauroy). Adaptant cette pièce pour le cinéma avec le cinéaste Jean Seban, il prend goût à la mise en scène et signe la même année son premier court métrage « Narcisse » avec le danseur Dereck Cayla.
En 2014, il s'installe au Chili comme formateur de professeurs de philosophie au lycée français Saint-Exupéry de Santiago. Durant ce séjour de cinq ans en Amérique latine, il réalise deux films. Le premier, Chanson à Part (2017), est un poème filmé maintes fois primé qui confronte la rupture la plus intime de l'âme aux vastes espaces désertiques d'Atacama.

Sirènes – présenté au jury de sélection de ce festival – raconte l'histoire de deux corps en quête de souffle dans un monde en fusion. Lors d'un voyage en Patagonie chilienne, deux amis danseurs s'aventurent dans les grands espaces naturels, plongeant au plus profond d'eux-mêmes. Au cours de ce voyage, une voix de Selknam se fait entendre, ravivée depuis des temps immémoriaux, entraînant une envolée chorégraphique, un voyage initiatique, une métamorphose.

Enseignant de philosophie, Pierre Bessette fait confiance au logos et au concept, mais sa filmographie est sensible et poétique, « produisant plus de clarté que de compréhension », selon ses propres mots.
Filmographie
2017 : Réalisation du court métrage Chanson à Part, Song Sotto Voce, Meilleur film expérimental / Festival international du film de Lisbonne. Prix du public / Parangon Film Festival – Lauréat / AAB Film Festival Fresh Stream Experimental Film / Meilleur film expérimental. Journées latino-américaines / Meilleur film expérimental. Plus de 30 sélections dans des festivals internationaux.
2016 : Co-scénariste du documentaire de Nicolas Contant Nous, les intranquilles, une expérience collective du cinéma, au Centre Artaud. Production SANOSI. Première le 2 mai 2018.
2012 : Réalisation du court métrage Narcisse, extrait de la Cantate du Narcisse de Paul Valéry. Primé au Festival international du film des Cinq Continents. Sélectionné au Festival international du film indépendant, Anonimul (Bucarest).

Mermaids

Pierre Bessette

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