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AVIFF 2021

Sélection officielle

Chorégraphe, cinéaste, danseur et lauréat d'une bourse John Simon Guggenheim en 2019, Pontus Lidberg s'est imposé comme un artiste créatif et visionnaire, alliant danse et cinéma.
Chorégraphe pour la scène, Lidberg a créé des œuvres pour des compagnies telles que le Ballet de l'Opéra de Paris, le New York City Ballet, la Martha Graham Dance Company, les Ballets de Monte-Carlo, le Semperoper Ballet de Dresde, le Ballet royal de Suède, le Ballet royal du Danemark, le Ballet du Grand Théâtre de Genève, Acosta Danza, Balletboyz et le Beijing Dance Theatre, ainsi que pour sa propre compagnie de concert, Pontus Lidberg Dance. Pontus Lidberg Dance a été présenté par le Fall For Dance Festival du New York City Center, le Festival international de ballet de La Havane, le Festival de Spoleto, le Joyce Theater et le Centre national des Arts du Canada. Sa pièce « Siren » a reçu le prix Villanueva de l'UNEAC (Union nationale des écrivains et artistes de Cuba), l'un des meilleurs spectacles présentés à Cuba en 2018.
Son film, « The Rain », a reçu de nombreux prix. Le New York Times a écrit : « De façon mémorable, The Rain illustre ce que la danse filmée peut dire et que la danse scénique ne peut pas dire. » Son film Labyrinth Within a remporté le prix du meilleur film au festival Dance on Camera en 2012. Il a été nominé pour un New York Dance and Performance Award (Bessie) dans la catégorie « Meilleure conception visuelle » pour sa soirée danse et film WITHIN (Labyrinth Within), créée en 2012 alors qu'il était directeur artistique résident de Morphoses. Le New York Times a salué ce ballet narratif contemporain, « raconté sans mime et porté par des textures émotionnelles et psychologiques… [Lidberg] sublime le langage académique du ballet, le dissolvant dans un partenariat complexe qui parvient, dans l'ensemble, à éviter les clichés récurrents de nombreux mouvements contemporains. Il est rafraîchissant de voir un ballet embrasser les vertus de la retenue. » Élevé à Stockholm, en Suède, Lidberg a suivi une formation à l'École royale de ballet de Suède. Il est titulaire d'un master en arts du spectacle contemporains de la faculté des beaux-arts, des arts appliqués et du spectacle de l'université de Göteborg. Il est le directeur artistique du Danish Dance Theatre de Copenhague, au Danemark.
« Dans cette course effrénée et vivifiante, Lidberg vous fait ressentir toute l'harmonie qui peut exister entre deux êtres… on croirait presque que les histoires d'amour ne finissent jamais mal. Sublime.» François Delétraz, LE FIGARO MAGAZINE, 22 février 2019
« Siren a tout d'un chef-d'œuvre… Une œuvre à la fois délicate et dense, imprégnée d'un sentiment de vérité, portée par une rare clarté expressive. » Anna Bandettini, LA REPUBBLICA, 2 septembre 2018
« Pas de conclusions banales, juste un monde d'émotions multiples rendues inexplicablement puissantes.» Judith Mackrell, THE GUARDIAN, 21 avril 2016
« Rabbit, l'ode à l'enfance du chorégraphe et cinéaste suédois Pontus Lidberg, est d'une précision et d'une humour si subtils qu'on a l'impression de voir une douzaine de jouets mécaniques s'envoler simultanément. » Vanessa Keys, THE TELEGRAPH, 21 avril 2016
« Pontus Lidberg dégage l'aura d'un créateur raffiné et d'un état de grâce, et son œuvre en témoigne. » Roger Salas, EL PAIS, 18 juillet 2015
« La compagnie new-yorkaise éponyme de Pontus Lidberg a apporté une esthétique nordique élégante et un mouvement fluide à une chorégraphie intense où les groupes se transforment et se transforment, explorant ainsi la psyché. Son travail repose sur une théâtralité subtile et un goût pour l'inattendu. » Gerald Dowler, THE FINANCIAL TIMES, 4 novembre 2014

WRITTEN ON WATER

PONTUS LIDBERG

Isan Maher est un artiste visuel et conteur basé à Oslo. Il est titulaire d'une licence en beaux-arts de l'Académie nationale des arts d'Oslo, en Norvège.

WITH MY MOTHER

ISAN MAHER

Shan Wu (scénariste, réalisatrice et productrice) est une cinéaste indépendante taïwanaise et une artiste multidisciplinaire basée à Los Angeles. Son scénario, Wild Grass, a remporté le prix Tim Disney d'excellence en narration. Son film Lookover a été sélectionné au Formosa Festival of International Filmmaker, au Supernova Digital Animation Festival et au CINMARE International Ocean Film Festival. Son installation vidéo, Bardo, a remporté la médaille de bronze à l'Exposition nationale d'art en nouveaux médias en 2018 et a été présentée au Musée national de Taïwan. En 2017, elle a collaboré avec le Santa Paula Art Museum sur un projet in situ intitulé Mural, qui a été projeté sur la façade du Cole Creativity Center. Elle est l'une des fondatrices du Taiwan Video Club, une projection collaborative de films taïwanais, et a été programmatrice principale au Festival du film chinois de Los Angeles en 2019. Shan est diplômée du programme Film, vidéo et médias intégrés du California Institute of the Arts.

WILD GRASS

SHAN WU

1:1

TELEMACH WIESINGER

Né et élevé en Israël, il a obtenu une licence en beaux-arts du département d'animation de l'Académie d'art et de design Bezalel de Jérusalem en 2012. Aujourd'hui, il vit au bord de la mer, où il anime et illustre.

A COUPLE ON THE ROOFTOP, THE CELLULAR ANTENNA AND THE METAL BIRDS

EYAL OREN

Nathania Rubin est une artiste dont les œuvres ont été largement exposées à l'international. Ses courts métrages d'animation ont été projetés dans des galeries d'art et des musées de plus de 15 pays. Née à New York, elle est titulaire d'un master en beaux-arts du Queens College. Elle a été chercheuse à l'Académie Jan van Eyck de Maastricht, aux Pays-Bas, et est actuellement professeure adjointe de peinture et de dessin à l'Université d'État de l'Illinois.

CROWDED

NATHANIA RUBIN

Marion Kellmann a étudié le scénario à la Filmakademie Baden-Württemberg et est diplômée de l'Académie des arts médiatiques de Cologne. Elle vit à Cologne et travaille comme monteuse et réalisatrice. Ses films ont été projetés dans des musées et des festivals du monde entier. Films : Ekstase (film expérimental, 2019), Endre Tót - I‘m glad if I‘m happy (documentaire, 2017), The Sidereal Night (film expérimental, 2012), Trinkhallen (expérimental / documentaire, 2010), The Retraining (documentaire de fiction / court métrage, 2006).

EKSTASE

MARION KELLMANN

Né en 1963, il est diplômé de la faculté de réalisation de l'Institut national du théâtre et du cinéma en 1985. Il a réalisé plusieurs courts métrages, documentaires, films écologiques et promotionnels, ainsi que des clips musicaux. Il est membre de l'Union des cinéastes ukrainiens et de l'Académie ukrainienne du cinéma. GENNADIY KHMARUK, né en 1972, est diplômé de la faculté de réalisation de l'Académie nationale ukrainienne de la culture. Il a travaillé comme monteur et réalisateur dans des studios vidéo et de télévision non gouvernementaux, et est souvent employé comme VJ et infographiste. En 1996, Oleg Chorny et Gennadiy Khmaruk ont fondé l'association SAMPLED PICTURES. Plusieurs vidéos créées par SAMPLED PICTURES ont été présentées lors de divers festivals de cinéma et de vidéo, expositions et projections en club.

FON

OLEG CHORNY

Nacho Gamma aborde directement le thème de l'isolement dans une œuvre créée à une époque très difficile pour de nombreuses personnes à travers le monde. L'œuvre qui en résulte est issue d'une série d'interactions que l'artiste a développées pendant le confinement lié à la Covid-19 en 2020, alors qu'il n'avait d'autre compagnie que celle offerte par la lumière qui entrait chaque jour par sa fenêtre. « Framing the light » est une exploration du temps, de l'espace et de lui-même, tandis que l'artiste se trouve dans une magnifique pièce vide. La qualité picturale du film et la répétition de l'acte, du dessin au crayon, qui s'y déroule, rendent cette pièce insaisissable. D'une certaine manière, c'est un rappel poignant de l'universalité de la pandémie. Cette pièce pourrait se trouver dans de nombreux pays différents, elle symbolise un espace transitoire plutôt qu'un lieu précis, et elle évoque la banalité d'une vie passée à l'écart de la société, où l'on est seul, à créer sans cesse.

FRAMING THE LIGHT

NACHO GAMMA

Martin Gerigk (*1972) est un compositeur de musique contemporaine. Son répertoire comprend des compositions pour orchestre et musique de chambre, ainsi que plusieurs concertos pour soliste. Ses œuvres sont jouées en Corée et à l'international, notamment en Corée, au Japon, aux États-Unis, en Angleterre, en Finlande, en Autriche et en Suisse. Dans ce cadre, il collabore avec des solistes et des ensembles de renommée internationale. Outre son travail de composition, il est connu pour ses remarquables créations audiovisuelles et ses films expérimentaux, qui explorent les connexions synesthésiques intrinsèques entre perceptions sonores et visuelles. Outre la création de paysages sonores et visuels entrelacés de musique, de sons de la nature et de séquences vidéo, un aspect important de son art réside dans l'illustration de la poésie cachée des phénomènes naturels et des sciences. Ses films expérimentaux ont remporté plusieurs prix internationaux et ont été projetés dans des festivals renommés comme Asolo Film Festival, International Digital Arts Festival Videoformes, Girona Film Festival, Salento International Film Festival, Columbus International Film & Animation Festival, USA Film Festival, New Jersey Film Festival, Sidney International Film Festival, Fargo Film Festival, Sherman Oaks Film Festival, Canberra Short Film Festival, Film and Video Poetry Symposium Los Angeles, Syracuse Film Festival ou ZEBRA Poetry Film Festival.

HAIKU

Martin Gerigk

Ji Su Kang-Gatto (*1989) est née à Séoul. Elle a grandi en Allemagne dès l'âge de deux ans (1991). Artiste vidéaste, elle vit et travaille à Düsseldorf/Cologne (Allemagne) et à Asolo (Italie).
FORMATION
2008-2013 : Études à la Kunstakademie de Düsseldorf, Meisterschülerin de Lucy McKenzie ; 2018-2021 : Études de troisième cycle à l'Académie des arts médiatiques de Cologne.

IDENTITIES AND RECIPES

JI SU KANG-GATTO

Artiste iranienne indépendante et primée, Tanin Torabi œuvre dans les domaines de la performance, de la chorégraphie et du cinéma. Ses films ont été maintes fois primés par des festivals et académies de renom à travers le monde. Issue d'une formation en sociologie, elle est titulaire d'un master en interprétation de danse contemporaine de l'Université de Limerick. Elle a reçu de nombreux prix dans des catégories telles que le Creative Vision Award, le Prix du Jury, le Meilleur Film d'Artiste, le Meilleur Court Métrage, le Meilleur Film d'Inspiration, la Meilleure Femme Inspirante dans un Film, le Meilleur Film Expérimental, la Meilleure Photographie et le Meilleur Documentaire, entre autres. Ses œuvres ont été décrites par les directeurs de festivals comme rebelles, créatives, inspirantes, d'une élégance et d'une émotion insoutenables, emblématiques et poignantes, porteuses d'émancipation pour les femmes, nourries d'une clarté et d'une ambition exceptionnelle, teintées d'une complexité de nuances personnelles et culturelles. En 2020, elle a été invitée à siéger au jury du festival Dance Camera West de Los Angeles, après avoir occupé le même poste au Jacksonville Dance Film Festival en 2019.
Les œuvres les plus récentes de Torabi sont In Plain Sight, The Dérive, Invisible Point, Ruby, Beyond the Frames et Immensity. Parallèlement à ses films, Tanin a chorégraphié plusieurs performances solo présentées lors des concerts de l'Irish World Academy, du festival Elemental Arts, du festival What Next Dance, du Limerick Fringe et de la Culture Night Limerick. De plus, les metteurs en scène et leur public ont largement salué sa contribution à des créations théâtrales en tant que directrice du mouvement et chorégraphe pour « Milk Powder » et « We Won't See them No More » en Iran. Tanin a également dansé dans des pièces d'ensemble des chorégraphes suivants : John Scott (Irlande), Helen Cathala (France), Maurine Fleming (États-Unis) et Charlie Morrissey (Royaume-Uni) lors de son séjour en Irlande, et a collaboré avec Heidi Latsky Dance de New York. Depuis 2020, Tanin fait partie de la compagnie de danse The School of Hard Knocks, dirigée par la célèbre chorégraphe new-yorkaise Yoshiko Chuma. Sa première collaboration avec Yoshiko Chuma a eu lieu dans le cadre de la série de spectacles en ligne de la compagnie intitulée SML (Saturday Morning Live)-Zooma: Dead End, commandée par La MaMa Experimental Theatre Club en 2020, pendant la pandémie de COVID-19.

IN PLAIN SIGHT

Tanin Torabi

Bjørn Venø (né en 1979, Norvège/Angleterre) embrasse l'échec dans ses photographies, vidéos, dessins, musiques et performances. Car la perfection est reproductible et l'échec est humain.
Master en photographie du Royal College of Art, 2012.
Parmi ses expositions et performances, on compte le Prix Rudin, Norton Museum, West Palm Beach, États-Unis (2012), Guangzhou LIVE, YouYou Contemporary Art Centre, Guangzhou, Chine (2013), Live Action 9, Göteborg, Suède (2014), Vestlands Utstilingen, Norvège (2014), Public Screens, Stavanger, Norvège (2017), Breaking Myth, Museo d'Aumale, Palerme, Italie (2018) et Northern Sustainable Futures, Moskosel, Suède (2019). Il a également participé à des projets personnels à Fotogalleriet, Malmö, Suède (2009), Nettie Horn, Londres, Royaume-Uni (2009) et Tender Pixel, Londres, Royaume-Uni (2013).
D'autres projets incluent l'organisation de festivals d'art de la performance Venø Gård KUNST, Selje NO (2015) et Performance KUNST au 368 PONCE, Atlanta US (2016), la création de Zines mensuels (2018-19), la gestion de la page Web www.kunstspace.com et la création de trois albums de musique « Enslaved By Freedom » 2017, « Augmented Manipulation » 2018 et « Arthemy » 2019 sous le nom de BX.

MOSKOSEL ACTION MUSIC

Bjørn Venø

L'artiste égyptien Moataz Nasr explore les traditions et le nouveau mondialisme, questionnant le développement géopolitique et social en Afrique. La pratique artistique de Nasr est un outil et un langage qui embrasse l'art, la sociologie, le soufisme et l'histoire, afin d'encourager le dialogue au-delà des frontières géographiques. Parmi ses expositions collectives les plus récentes, citons « The See Is My Land », commissariée par Francesco Bonomi et Emanuela Mazzonis (MAXXI, Rome, 2013) ; « Arab Contemporary Architecture, Culture and Identity » (Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, 2014) ; « Metropolis. Afriques Capitales », commissariée par Simon Njami (La Villette, Paris, 2017) ; « Senses of Time: Video and Film-based Arts of Africa » (LACMA et Smithsonian National Museum of African Arts, Washington, 2017) ; Biennale de Yinchuan, commissariée par Marco Scotini (Yinchuan, 2018), Exposition internationale d'art contemporain, commissariée par Mazdak Faiznia (Erevan, 2018). En 2018, Nasr a été invité à participer à « Abu Dhabi Art 2018 Beyond » et à créer une œuvre in situ dans les sites historiques d'Al Ain. En 2019, il a été invité à participer à la Biennale de La Havane et a participé à la Fiac Hors Les Murs avec l'installation de l'œuvre Sun Boat aux Tuileries. Parmi ses expositions personnelles les plus récentes, citons « The Liminal Space » à Castel del Monte, Andria, commissariée par Achille Bonito Oliva, et « Paradise Lost » à la Galleria Continua, San Gimignano, commissariée par Simon Njami. En 2017, il a été sélectionné pour représenter l'Égypte à la 57e Biennale de Venise. L'œuvre présentée au Pavillon égyptien était une installation immersive présentant le film original « La Montagne ».

THE MOUNTAIN

MOATAZ NASR

UNLEARN THE BODY

PANTEHA ABARESHI

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