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AVIFF 2025

Sélection officielle

Andrea Hackl est une artiste, cinéaste et chorégraphe indépendante et multidisciplinaire basée à Amsterdam. Son travail explore les thèmes de l'émancipation, de la liberté et, souvent, du lien inné entre nos émotions intérieures et extérieures. Si le corps humain est un canal privilégié d'exploration et d'expression, elle chérit l'alchimie de différentes disciplines et, parfois, fusionne cinéma, installation et performance pour créer des expériences profondément viscérales. Au cours de sa carrière d'interprète, elle s'est produite sur les scènes les plus prestigieuses du monde, a été invitée à des résidences artistiques et a présenté ses œuvres dans des festivals du monde entier. Voyageuse et passionnée d'aventure, Andrea Hackl explore, à l'international, ses œuvres, qui lui permettent de voyager, de rencontrer et de collaborer avec des artistes et des communautés. Ces liens et ces rencontres sont l'un des aspects les plus enrichissants de son parcours créatif, nourrissant son inspiration et son travail artistique. Cinéaste primée, elle explore, à travers le cinéma, la puissance poétique et sensorielle de l'image ainsi que les installations multi-supports. Actuellement, elle est en tournée avec DREAMER, une performance hybride qui a remporté le prix de la meilleure performance live interdisciplinaire au Festival Lensdans de Bruxelles. Ses courts métrages – tels que THE DISAPPEARANCE OF TIME, BELE BELTZA, Silent Fragments et Light Rising – ont remporté de nombreux prix pour le meilleur film, la meilleure chorégraphie et la meilleure poésie vidéo.

THE DISAPPEARANCE OF TIME

Aimee Hoffman est une scénariste-réalisatrice canadienne née en Saskatchewan et basée à Los Angeles. À travers un regard surréaliste et teinté d'humour noir, son travail explore les dynamiques du pouvoir, des privilèges et de la vulnérabilité humaine dans la quête désespérée du « rêve américain ». Aimee est réalisatrice de publicités, de vidéoclips et de récits, et a récemment présenté son court-métrage I GUESS à l'Outfest 2023. Aimee a réalisé des publicités pour des marques telles que Nike, ESPN, 7-11, et bien d'autres. Aimee peut travailler aux États-Unis et au Canada. Chris Llerins est un directeur de la photographie originaire de Barcelone, en Espagne, actuellement basé entre Los Angeles et New York. Pour Chris, la réalisation cinématographique est une exploration de ce qui se passe dans l'esprit de quelqu'un. À travers la narration visuelle, elle cherche à soulever des questions et à inspirer une introspection face aux complexités de la vie. Forte de son expérience en photographie et en cinéma, elle a développé une forte sensibilité visuelle, axée sur le symbolisme, la composition, la couleur et l'utilisation expressive de la lumière. Sa démarche artistique s'est approfondie au Conservatoire AFI, où elle a obtenu un master en cinématographie et réalisé une œuvre diversifiée, incluant des films narratifs, des films de mode, des vidéoclips et des documentaires. Son travail a été présenté dans des festivals tels que le Festival international du film de Porto Femme, l'AVIFF, l'Index Film Festival et le Festival du film indépendant de Vancouver.

Maricarmen

Né et élevé à Ain Ebel, un village pittoresque du sud du Liban, Pedro est titulaire d'une licence en arts audiovisuels obtenue à Beyrouth. Il a débuté sa carrière comme directeur artistique pour le cinéma et la publicité avant de se tourner vers la photographie et la réalisation. Le travail de Pedro explore souvent des thèmes personnels, puisant dans son vécu. Son premier court-métrage, Autostrade Beirut (Beyrouth Highway), a été présenté en avant-première au Festival du film Raindance en 2021, ce qui lui a valu une bourse Erasmus Mundus pour un master en réalisation cinématographique à KinoEyes, l'European Film Masters. Son film de fin d'études, A Mother Goes To The Beach, a reçu de nombreux prix, dont celui du meilleur court-métrage à Sophia Estudante 2024 (Académie portugaise du cinéma) et celui du meilleur essai national au 30e Festival du film Caminhos do Cinema Português. Le film a également été projeté dans des festivals tels qu'IndieLisboa, le Festival international du court-métrage de São Paulo, le Festival du film Concorto (Italie) et le Festival du film Aesthetica (Royaume-Uni). Pedro prépare actuellement un doctorat en arts médiatiques et communication à Lusófona, Université européenne FilmEU (CICANT). Ses recherches artistiques, financées par une bourse de recherche du FCT, portent sur la représentation des genres au Moyen-Orient.

A Mother Goes to the Beach

Atefeh Nafari, née en 1981, a débuté son parcours créatif en écrivant des nouvelles pour le magazine Dragonfly. Sa fascination pour la narration visuelle l'a conduite à se tourner vers le cinéma et à suivre des cours de scénarisation et de réalisation à Karnameh, Shahid-saless, Clap, Ava et à l'Université des Beaux-Arts. En 2017, elle a fait ses débuts dans l'industrie cinématographique en écrivant une mini-série télévisée. Depuis, elle a écrit deux séries d'animation, quatre scénarios de courts métrages et un long métrage. Avec son amie Samira Mokhtari, elle a co-écrit et réalisé 3.400kg, un projet qui témoigne de leur détermination à surmonter leurs défis personnels et créatifs.

3,400 kg

Le cinéaste canadien Sam Luk a débuté sa carrière cinématographique en 2009. Il a écrit et réalisé des films sur la vie intérieure, explorant les relations entre l'individu et les autres à travers la mémoire et l'imagination, dans un contexte potentiellement changeant de l'espace-temps et de l'identité. Ses courts métrages ont été projetés et primés à l'international dans des festivals tels que Taos, Maremetraggio, Bogotá Experimental et Girona, et sont désormais distribués sur Amazon Prime aux États-Unis et au Royaume-Uni. En 2021, l'un de ses scénarios de long métrage a été présélectionné au Screenwriter's Lab du Festival du film de Whistler. En 2022, il a reçu une aide à la production du Conseil des arts du Canada pour « Pieces Within », une démonstration de faisabilité d'un long métrage qu'il développe actuellement.

Pieces Within

Liam LoPinto est un cinéaste et animateur basé à New York. Il est diplômé du programme UGFTV de la Tisch School of the Arts de l'Université de New York. Il a également étudié à l'Université Waseda de Tokyo. Il a suivi le programme d'animation de personnages de CalArts de 2017 à 2021. Il est directeur adjoint au Moviehouse de Millerton, dans l'État de New York.

The Old Young Crow

Alice Diop et Alix de Clerck sont deux réalisatrices dont la collaboration a débuté sur les bancs du lycée et s'est poursuivie à l'Atelier de Sèvres avec la réalisation de «Sésâme». Leur travail explore le vécu humain, en tant qu’amies, en tant que femmes et en tant qu’individus imposent de se positionner dans l’univers.

Sesame

Cinéaste né à Pékin (Chine) en 2001, il poursuit actuellement des études de troisième cycle en réalisation cinématographique à l'Université de Kingston. Il s'intéresse à l'élargissement du langage cinématographique et à l'exploration de différents points de vue. Ses films abordent l'environnement et la vie, la relation entre humains et non-humains, et visent à inciter le public à réfléchir à la situation de l'humanité et à la redéfinition de la relation entre humains et environnement.

Eternal

Markku Hakala, M.Sc., né en 1975, est un artiste et cinéaste finlandais qui explore le cinéma comme un moyen d'intuition. Pendant six ans, il a travaillé en duo avec sa partenaire Mari Käki sur son premier long métrage, Giant’s Kettle, présenté aux Nuits Noires de Tallinn, récompensé comme Meilleur Premier Film au Festival de Cinéma de Gérone 2024 et récompensé à plusieurs reprises pour la réalisation, la photographie et la conception sonore. Avant de se consacrer au cinéma, il a également travaillé comme chercheur en informatique et entrepreneur. Mari Käki, M.A., est coach créative et superviseure professionnelle dans le domaine des médias et de l'éducation. Depuis 2020, elle enseigne le leadership et la dynamique de groupe aux jeunes cinéastes en tant que conférencière invitée à l'école de cinéma de l'Université Aalto, en Finlande. Giant’s Kettle est également son premier long métrage.

Giant's Kettle

Hannah Goodman est une cinéaste et artiste visuelle émergente passionnée par l'exploration de la condition humaine à travers un cinéma expérimental et sensoriel. Née et élevée à Brighton, au Royaume-Uni, Hannah a développé très tôt un intérêt pour l'interaction entre le mouvement, les arts visuels et le son comme moyen d'expression. Étudiante à la Northern Film School (LBU), son travail explore les thèmes de l'identité, de l'existence et de l'équilibre délicat entre l'individu et le monde vaste et complexe qui nous entoure.

Aeterna

Oona est une réalisatrice autodidacte danoise. Depuis six ans, elle travaille comme première assistante réalisatrice en Scandinavie et, inspirée par de nombreux autres cinéastes talentueux, elle se sent prête à se lancer elle-même dans la réalisation. Son objectif principal est de transformer le quotidien en univers symboliques et oniriques, tentants à explorer. Elle souhaite contraster avec le réalisme social, qui a fait la renommée des Danois, et aborde des thèmes comme la mort et le deuil avec couleur, beauté et humour – car c'est le genre de films qu'elle privilégie, pour traverser et digérer des expériences autrement ennuyeuses ou lourdes dans la vie réelle.

Welcome To The Skyline

Originaire de Sainte-Agathe-des-Monts, Renaud Gélinas est un cinéaste indépendant maintenant établi à Montréal. Durant ses études en cinéma à l'Université de Montréal, il a réalisé ses deux premiers courts métrages, Le Collectionneur (2022) et Antoine préfère la mer (2023). Après avoir obtenu son diplôme en 2023, il a tourné son dernier court métrage, Océan seul, vents égarés (2025), qui raconte l'histoire d'une mère fuyant sa famille. Dans ses films, il explore les thèmes de la solitude, de la mémoire et de la complexité des relations humaines. Il aime dépeindre les brèves rencontres entre deux âmes seules et le lien qui se crée entre elles, notamment par de longues scènes de dialogue et des plans contemplatifs. Fasciné par la frontière entre réalisme et mysticisme, Renaud prépare actuellement un nouveau court métrage où des thèmes similaires seront explorés sous le prisme de l'horreur et du mystère. Il travaille également sur un court métrage documentaire tourné dans l'État d'Oaxaca, au Mexique.

The Wind Will Carry Her

Esther Megard est illustratrice et plasticienne. Après avoir mené des études aux Arts-décoratifs de Strasbourg et à la Weissensee Kunsthochschule de Berlin et obtenu un DNSEP en 2012, elle a poursuivi une formation en médiation culturelle au CNAM à Paris. Aujourd’hui elle vit et travaille à Marseille, et développe sa pratique du dessin et de l'image animée en mixant différents outils et supports (broderie, gravures, encres ...) pour des commandes (décors de théâtre, fresques, éditions) ou des projets d'exposition. Son travail graphique joue sur des contrastes forts, entre ligne de force et fragilité et cherche à aborder avec poésie les espaces difficiles de la vie. Sport révélateur de paradoxes et de tensions qui nous habitent, elle s'intéresse à la boxe et à ses représentations artistiques. Elle commence alors un travail autour de cette thématique avec du fil et de l'encre. Ces recherches aboutissent au court-métrage "Sur le Fil" réalisé dans le cadre d'une commande du CNAP, en lien avec le club de boxe anglaise "Don't Panik Team". Elle collabore avec d'autres artistes pour proposer à des groupes des ateliers mêlant corps et dessin dans un but thérapeutique.

On the Edge

Patricia Silva est une cinéaste, vidéaste et photographe née à Lisbonne et basée à New York. Elle expérimente des formes médiatiques originales et d'archives pour se réapproprier et rediffuser l'expression queer. Leurs précédents courts métrages ont été projetés, entre autres, au Flare LGBT Film Festival du British Film Institute (Angleterre) ; au Scotland Queer International Film Festival (Écosse) ; au Gender and Sexuality Film Festival de Rio de Janeiro (Brésil) ; et dans divers programmes des Anthology Film Archives (États-Unis). Elles sont titulaires d'un master en études photographiques avancées du Bard College, où elles ont été boursières du directeur de l'ICP, et d'une licence en photographie de la School of Visual Arts. Elles enseignent actuellement à New York en art vidéo à l'Université St. John's et sont professeures à l'École du Centre international de photographie.

Twink Time at Barbizon

Margaux Basch est réalisatrice de documentaires. Dans ses films, elle traque les fantômes : les spectres d’un lieu, d’une époque ou d’une personne. Son travail explore les thèmes de la mémoire, de l’exil et de l’intimité. Dans ses documentaires, elle traite l’image comme une matière plastique, créant à partir de divers supports : archives, animation, photographie, images de synthèse… Elle a étudié en Irlande au National College of Art and Design (NCAD), puis a obtenu un master en documentaire à l’Institut national de l’audiovisuel (INA) en 2021. Elle est également monteuse et assistante réalisatrice.

ANI DULCI AMARUI

Cinéaste et photographe basé en Espagne avec un style visuel et narratif, qui aime travailler autour de différents concepts et idées, apportant à chaque projet une approche unique.

A Sea Inside

Zoe Stach (née en 1998) est une artiste germano-américaine dont le travail créatif englobe le design de produits, le théâtre et la performance. Ayant grandi entre Cologne, le Tennessee et Philadelphie, ses origines diverses influencent profondément sa voix artistique éclectique. Titulaire d'une licence en design industriel du Pratt Institute de Brooklyn, New York (2020), elle a obtenu un master en scénographie et théâtre à la Technische Universität de Berlin en 2024. Le travail de Zoe se caractérise par un mélange ludique d'humour, d'ironie et de grotesque, explorant des idées profondes avec une touche de légèreté. Elle a travaillé comme assistante à la conception de costumes et de décors au Deutsches Theater de Berlin et à l'Opéra de Stuttgart. En 2024, elle a conçu les costumes de la pièce « Liebe Macht Tod » à Strausberg. Co-scénariste et interprète de sa première production, « Birds » (2023) à Berlin, Zoe, aux côtés de Falk Lörcher, a examiné les parallèles entre les rituels d'accouplement à l'ère numérique et les expressions contemporaines du désir, questionnant la nature performative de l'attraction dans un monde technologiquement dystopique, tout en concevant les costumes du spectacle. Outre son travail de scénographe et de metteur en scène, Zoe est une artiste drag connue pour ses numéros uniques de « burlesque de grand-mère », où elle se transforme en vieille dame vêtue d'une combinaison intégrale en latex, se produisant avec un déambulateur. Ces performances offrent une exploration humoristique et stimulante de l'âge, de la sexualité et de l'inattendu, remettant en question les normes, tout en captivant le public avec des numéros à la fois exagérés et imaginatifs. Le travail de Zoe est une célébration des contrastes : sérieux et jeu, réalité et absurdité.

DU KANNST MICH MAL

Ruth Owens a obtenu un master en beaux-arts de l'Université de La Nouvelle-Orléans en 2018, après avoir quitté son cabinet médical de 25 ans. Elle est représentée par la galerie Jonathan Ferrara et fait partie du collectif d'artistes « The Front », tous deux basés à La Nouvelle-Orléans. Son travail s'attache à contribuer à la préservation des archives noires et à y puiser des références personnelles au cinéma super-8 dans ses peintures et ses vidéos. Elle a notamment été artiste en résidence au Joan Mitchell Center, à l'Addison Gallery of American Art, au Vermont Studio Center, aux Studios du MASS MoCA et à l'International Studio and Curatorial Program de New York. Ses œuvres font partie des collections permanentes des 21c Museums, de l'Ackland Art Museum de l'UNC-Chapel Hill, de l'Addison Gallery of American Art, du Dale Center for the Study of War and Society, de la Fidelity Investments Corporate Collection et de l'Ogden Museum of Southern Art. Elle a participé au Festival du film de La Nouvelle-Orléans et au Patois Film Festival de La Nouvelle-Orléans.

Visitation: A Cosmogram in Four Movements

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